Medea a mezz’aria: come il teatro greco di Siracusa mantiene in vita i classici

Come mettere in scena al meglio i grandi classici greci? In Gran Bretagna va di moda l’intimità. Ma ci sono altre alternative, come ho scoperto visitando l’antico teatro greco di Siracusa, in Sicilia, dove tutto è su larga scala. L’auditorium, scavato nel fianco di una collina, può ospitare 5.000 persone. Il palcoscenico è largo 27 metri e profondo 44; la recitazione, la regia e il design sono di conseguenza epici. Eppure, nelle due produzioni che ho visto, ho scoperto che i dettagli psicologici sono ancora raggiungibili anche in questa vasta arena.

Le stagioni dei classici greci sono iniziate a Siracusa nel 1914, sono continuate spasmodicamente ma sono diventate eventi annuali solo in questo secolo. Scorrendo i registri, si scopre che vi hanno lavorato molti registi famosi, tra cui Peter Stein, Luca Ronconi, Yannis Kokkos e Irene Papas. Tra i traduttori spicca il nome di Pier Paolo Pasolini. Ogni stagione di otto settimane mescola un titolo noto con altri meno familiari. Quest’anno il programma è stato inaugurato da Medea e dal Prometeo di Eschilo, mentre la Pace di Aristofane e uno spettacolo multimediale su Ulisse sono ancora in programma. Dopo il mese di luglio, le produzioni selezionate andranno in tournée in tutta Italia.

Tutto questo è frutto dell’imponente lavoro dell’Istituto Nazionale Del Dramma Antico, ma sono stata sollevata nel constatare che il rispetto per il passato è stato accompagnato da un’attenzione per il presente. Di base, ai non italofoni viene offerta una traduzione auricolare e un testo in inglese. Ma la mia prima scoperta di Medea è stato un brillante saggio nel libro di programma del traduttore dell’opera, Massimo Fusillo, che suggerisce che Euripide è stato il pioniere nell’uso del monologo interiore che ci permette di entrare nella testa del protagonista. Fusillo sostiene che questo porta al Macbeth, al Satana di Milton e a serie televisive moderne come Breaking Bad e Gomorra. Il regista dello spettacolo, Federico Tiezzi, si spinge oltre affermando di vedere Medea come “uno scontro tra una società arcaica e una società post-industriale” e paragona Giasone ai “grandi titani ibseniani sbruffoni, da John Gabriel Borkman a Torvald Helmer in Casa di bambola”.

Tutte queste cose sono inebrianti, ma come funzionano in pratica? Tiezzi si sforza di sottolineare la natura simbolica del conflitto in cui a Medea viene detto che sarà costretta a lasciare Corinto per non rivedere mai più Giasone e i suoi figli. Medea sfoggia inizialmente un temibile copricapo simile a un uccello, i suoi figli indossano soffici teste di coniglio e Creonte, il re di Corinto, una maschera di coccodrillo. Il coro femminile, invece, è vestito di abiti blu con secchi e spazzole. Ma la grande rivelazione arriva nel rapporto tra Medea e Giasone.

Ho visto molte belle produzioni britanniche, tra cui quelle con Fiona Shaw, Helen McCrory e Sophie Okonedo, in cui si ha la sensazione che Medea sia spinta alla violenza da una brutale struttura di potere maschile. Ma nelle interpretazioni di Laura Marinoni nel ruolo di Medea e di Alessandro Averone nel ruolo di Giasone ho visto qualcosa che non avevo mai colto prima: che i due personaggi sono ancora appassionatamente innamorati. C’è una scena straordinaria in cui Giasone sostiene che il suo imminente matrimonio con la figlia di Creonte è puramente politico. Mentre lo dice, accarezza sensualmente Medea. La risposta di lei è quella di mordergli rabbiosamente la mano, chiamarlo “bastardo” e poi dargli un bacio febbrilmente prolungato. Questo conferisce alla tragedia una nuova complessità e suggerisce che c’è un’intensità di amore-odio nella relazione Medea-Giasone che fa pensare a Una danza di morte di Strindberg o anche a Chi ha paura di Virginia Woolf di Albee?

La produzione ha comunque una qualità operistica. Marinoni pronuncia i suoi grandi monologhi con una ferocia sfolgorante e Sandra Toffolatti, nel ruolo della messaggera che porta la notizia dell’omicidio del figlio di Medea, mostra una potenza retorica simile. C’è anche un ultimo momento di spettacolo sbalorditivo. Nel momento culminante vediamo Medea su un carro sospeso in aria con i figli morti accanto a lei: è dai tempi di una famosa produzione del 1987 di Yukio Ninagawa che non vedo Medea salire in cielo. Ma ricorderò questa versione non tanto per il suo spettacolo quanto per la sua cruda consapevolezza che la vendetta e l’amore sono due facce della stessa medaglia.

Prometheus Bound è un’opera più problematica. Tratta della punizione di Prometeo da parte di Zeus per aver rubato il fuoco dall’Olimpo e averlo donato alla razza umana. Ma, poiché l’eroe è sempre incatenato a una roccia, l’opera è inevitabilmente statica e sembra più un poema drammatico simile al Samson Agonistes di Milton. Inoltre, fa parte di una trilogia di cui due terzi sono andati perduti. Si discute persino se l’opera sia davvero di Eschilo. Tuttavia, ha avuto una forte influenza su Shelley, Byron e Goethe e forse anche su Beckett, dato che ci sono paralleli tra il suo eroe incatenato e la terrestre Winnie di Happy Days.

Il problema è come farlo funzionare in teatro. L’allestimento di Leo Muscato parte con il vantaggio di un’imponente scenografia di Federica Parolini, che suggerisce un paesaggio industriale in decadenza, pieno di tubi arrugginiti, binari ferroviari, antiche gallerie e persino una gigantesca ciminiera a cui Prometeo è permanentemente legato. Anche se il protagonista non va da nessuna parte, altrove è circondato dal movimento: il coro vaga incessantemente, Ermes fa il suo ingresso su un pezzo di rotaia e Io, trasformata in mucca da Zeus per non aver risposto alle sue avances, arriva e riparte arrancando su e giù per i corridoi del teatro a quattro zampe.

Tutto è stato fatto per dare allo spettacolo un dinamismo fisico. La monotonia è tenuta a bada anche dall’interpretazione di Alessandro Albertin nel ruolo di Prometeo. Egli trasmette l’orgoglio di Prometeo nel donare all’umanità arte, tecnologia, logica e sentimento: “Ho seminato una cieca speranza nei loro cuori”, si vanta. Ma c’è anche rabbia, sfida e un feroce risentimento per l’ingiustizia nella sua interpretazione. Prometeo dirige la sua rabbia verso Zeus ma diventa, nell’interpretazione di Albertin, un simbolo vivente di resistenza all’oppressione, ricordando che il personaggio è stato definito “il santo patrono del proletariato”.

Mentre ho trovato una risonanza contemporanea sia in Medea che in Prometeo, come può un’istituzione come il Teatro Greco di Siracusa rinnovarsi? Non ha un unico direttore artistico, ma una struttura complessa in cui un amministratore delegato e un sovrintendente, attualmente entrambi donne, formulano raccomandazioni a un consiglio di amministrazione di cinque membri. Ma sebbene la sovrintendente, Valeria Told, sia in carica solo da poche settimane, è piena di idee per il futuro. “Credo”, ha detto, “che abbiamo bisogno di un piano triennale che ci porti fino al 2026. Mi piacerebbe avere delle coproduzioni con altri teatri per portare in tournée versioni ridotte del nostro lavoro, nello stile della Welsh National Opera. Vorrei anche coinvolgere più registi stranieri, soprattutto dal mondo dell’opera, portare le nostre produzioni in Grecia, Spagna e Francia, che hanno anfiteatri paragonabili, attirare un pubblico più internazionale e prolungare la nostra stagione oltre le otto settimane”.

Told è una persona audace, ma con l’idealismo pragmatico che spesso si trova nelle imprese artistiche. Ha ereditato un’organizzazione stabile con un bilancio di 8,5 milioni di euro, di cui il 70% proviene da incassi e donazioni, mentre il 30% da finanziamenti statali e locali. Sottolinea inoltre che i prezzi dei biglietti sono modesti, da 15 a 70 euro, e che si stima che il teatro generi sette volte il suo budget in termini di spese per alberghi, ristoranti e, aggiunge in modo intrigante, “parrucchieri”.

Non c’è dubbio che il teatro greco di Siracusa sia un’attività vivace. La frequentazione ha la qualità di un rituale. Le produzioni soddisfano chiaramente la nostra fame di spettacolo. Ma vorrei suggerire che il suo futuro, dato che ha un repertorio disponibile di 90 opere, dipende dalla sua capacità di trovare nuovi significati nelle vecchie opere. “Ogni generazione si adatta ai classici”, ha scritto una volta un grande critico, AB Walkley, e questo è vero per Siracusa come per Stratford-upon-Avon.

Questo articolo è stato pubblicato su TheGurdian
Traduzione per Livepress.it – Beatrice Privitera